［連載］ Contemporary Art Scene in the World（13）--ParisとLondon、二都物語―現代アートのパララックス（2）

ParisとLondon、二都物語―現代アートのパララックス（2）


［London］



４．ロンドンの物質＝イメージとアートの歴史
パリの物質＝イメージに相当する作品が、ロンドンのギャラリーの展示作品にもある。それは、Herald Street GalleryのIda Ekblad（写真）。







プリミティヴな絵画の部分のマティエールの素朴さと繊細さがリアルでイリュージョンを掻き立てる。
フランスの人類以前や以後の実在を思考する思弁的実在論は、人類の作るアートの歴史を無視・忘却するが、むしろロンドンのほうが歴史を参照しているのではないか。たとえば、パリで大展覧会を開催していたドランの絵画が、Tate Britenの展覧会に飾られていた（写真、Tateは作品の写真を撮れなかったので、ポンピドゥ・センターのドラン展に出品されたロンドン滞在時の絵画から。だが、Tateのほうが数段良かった）。





Ekbladの絵画は、フォーヴィスムの原色に近い色彩を引用しながら、それをマティエールでずらすことで、フォーヴィスム絵画のシミュラークルになっている。勿論、フランスが美術史を参照枠にしていないわけではない。しかし、イギリスは謙虚に美術史を学ぶ姿勢があるのに対して、本家本元は過去の栄光に甘えて、その上に胡坐をかいているように見えなくもない。


５．ロンドンの物質＝イメージの作り方―純粋シミュラークルに向けて（変則的アートフェアCondoのケース）
ロンドンには、グローバルマーケットの最先端（歴史のコンテクストを踏まえなければ、歴史の最先端を特定できない）を目指す現代アートの最前線の若手ギャラリーが15軒くらいある（Condo参加ギャラリーで、10軒のニューヨークより多い）。それら（＋有名ギャラリーのColes、Paley）が集まってCondoと名付けられたグループ展（写真は、そのポスター。毎年1～2月に開催される、フェアと称していないが実質的にフェア。始まったばかりで、今年3回目）を行っている。
http://www.condocomplex.org


ギャラリーで開かれるこのグループ展には、ホストのギャラリーと招待された海外のギャラリーのアーティストの作品がともに展示される。その疑似フェアは、ホスト・ギャラリーが考えるマーケットにおける最先端のアートを紹介していると言ってよい。
そのCondoに参加したギャラリーを地区ごとにまとめて提示しよう。まず、ホストのギャラリーの作品を、hostingの次にゲストのギャラリーの作品を見せる。ホスト、ゲストのギャラリーが不明の作品については、一緒に画像を並べることにする。

[South、West]
The Sunday Painter / Arcadia Missa







Leo Fitzmauris


Cheyenne Julien

hosting Dawid Radziszewski Warsaw




Alicja Kowalska

Stereo Warsaw

Roman Stanczak





Gizela Mickiewicz


Rob Tufnell


hosting Croy Nielsen Vienna



Ruth Ewan


inventory




Elke Silvia Krystufek



Marlie Mur


greengrassi / Corvi-Mora






Tatsuo Ikeda


Imran Qureshi



John Lindel

hosting Lomex New York




Kye Christensen-Knowles

JTT New York


Sable E Smith

Proyectos Ultravioleta Guatemala City




Naufus Ramires-Figueroa


Konig London





Jose Davila

hosting Galeria Jaqueline Martins São Paulo



Lydia Okumura




Jeppe Hein


[Center、East]
Pilar Corrias





Gerasimos Floratos & Christina Quarles,

hosting Societe Berlin





Trisha Gaba


Southard Reid


hosting Bureau New York and Park View Los Angeles


Erica Baum


Joanna Piotrowska


Edward Thompson

Libby Rothfeld

Juan Antonio Olivares

Mark A Rodriguz

Victoria Colmegna


Vivienne Griffin


Rodeo






Ian Law

hosting Andrew Kreps Gallery New York




Robert Overby


Project Native Informant



Ned Vena

hosting MadeIN Gallery Shanghai

Shen Xin

KOW Berlin




Tobias Zielony


Mother’s tankstation


hosting Edouard Malingue Gallery Shanghai / Hong Kong












Union Pacific




Caroline Mesquita


Ulala Imai


Koak

hosting Misako & Rosen Tokyo


Maya Hewwitt

Chert Ludde Berlin


Zola Mann

Gregor Staiger Zurich


E’wao Kagoshima


Emalin








Alvaro Barrington

hosting Weiss Falk Basel









David Weiss


Maureen Paley











hosting Dependance Brussels





Michaela Eichwald

JosegarcÍa, MX Mexico City





Eduardo Sarabia


Carlos/Ishikawa



hosting Queer Thoughts New York and Schiefe Zahne Berlin

























Modern Art



David Noonan

hosting 1301PE Los Angeles






Fiona Conner


The Approach











Bill Lynch

hosting Nuno Centeno Porto

Gabriel Lima

Mauro Cerqueira

Silvestre Pestana

Dan Rees 578

Carla Filipe



Daniel Steegmann Mangrane


６．結論
Condoの出展作品が、私の言う純粋シミュラークル──モティーフ（指示対象）とマティエール（素材の物質性）のない非再現的イメージ──とどう関係するかというと、シミュラークルの純化が、ここで紹介した作品を通して目標とされているということである。パリからロンドンに移動する前後に見せたギャラリーの展示作が、マティエールの部分のイメージ化だったのに対して、Condoの作品は全体をイメージ化しようとしているのではないか？ あくまでも、非再現的イメージ、言い換えれば作品自体をイメージにするということである。
そして、この傾向──モダンアートは新しいものを提示しショックを与えることで一時的に非現実のイメージ（幻想）のように思われるが、繰り返されて慣れれば現実の物質に戻る（反復によるフェティッシュ化）。そうではなく、そのプロセスを構造化して表現に組み込むことで、つねに新しくあり続ける。その新しさはモダンアートのそれではない。なぜなら、反復してもフェティッシュ化せず新しくあるものは、オリジナルではないからである。それがシミュラークルである。その極限に指示対象のまったくない純粋シミュラークルがある──は、Condoに限らず、最先端を目指す世界の若手ギャラリー（ロンドン、ニューヨーク、パリ以外では、ベルリンに2、3軒）に共通する特徴ではないか？
では以上の作品と、大手・有名ギャラリーに展示される作品との違いは何か？
それらの有力ギャラリーで掛けられるエスタブリッシュされた作品は、フェティッシュであったり、スペクタクル化されている。すると、作品自体は派手で目立つ（その結果、高い値段で売れる）が、前述のように作品全体や部分のマティエールがイメージになることはない。その例を、残念ながらCondoに参加した大手ギャラリーで示そう。Condoといえどもマーケットの悪弊と無縁ではないのである。
Sadie Coles HQ









Kati Heck

hosting Koppe Astner Glasgow



Josh Faught

Kris Lemsalu

Madragoa Lisbon
http://www.sadiecoles.com/other-exhibitions/condo-2018


またCondoには、それから逸脱する興味深い方向の作品もある。
Hollybush gardens





Andrea Buttner

hosting Jan Mot Brussels












Sven Augustijnen（dOKUMENTA 13に参加）
Condoには珍しく、社会や政治の右傾化を批判する社会、政治的表現だが、現実に接近するこの表現が、フィクションより強く感じられる。
では、パリとロンドンの街頭での政治的行動は、どのように感じられるだろうか。






パリの北駅近くの広場で行われた集会が終わった後の風景






パリのPalais de Tokyo近くで行われた集会の模様


ロンドンのセント・パンクラス駅前の集会

現実を変革したいのなら、再現的イメージではなく、非再現的イメージを介して現実世界へと接近しなければならないのか？ 再現的イメージを利用して、現実の矛盾や悲惨を告発すればよいではないか。そっちのほうが、手っ取り早く有効ではないか？
だが、再現は既存の世界を前提するので、観賞者はそのイメージを受動的かつ固定的に捉える。そうではなく、イメージのなかで能動的に活動するには、対象の現実がイメージであること、そしてその柔らかな現実が固定されておらず可変であることが最重要のポイントである。
したがって、ドキュメンタリーのように現実をダイレクトに主題とする表現であれば、現実から強度を受け取ることはできるが、その力はそれほど強くない。力をより強力に決定的にするには、オーソドックスなドキュメンタリーの再現ではなく、非再現的イメージによる観賞者を能動的にする現実への接近方法が不可欠である。現実が非再現的つまり現実自体がイメージとなることで、現実世界への働きかける力を観賞者が十全に獲得するのだ。そこで自らイメージとなった観賞者（主体と対象がイメージになるとは、主客二元論的世界の独立した主体と対象の切り離された在り方とは異なるという意味で、事物的存在ではなくイメージに思われるのかもしれない。いずれにせよ、イメージとなった対象や人間は相互に浸透＝共感することが常態になる）は、受動的な体験ではなく積極的に参加し行動する者になるのだ。

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2018.02.27 | コメント(0) | アートシーン

国際展とは何か？＋札幌国際芸術祭を歩く

国際展とは何か？


■ 国際展での思い出について
Q1.　今年行きたい国際展をお答えください。

・ヴェネツィア・ビエンナーレ
・アテネ・ビエンナーレ
・ドクメンタ
・ミュンスター彫刻プロジェクト
・イスタンブール・ビエンナーレ
・札幌国際芸術祭


Q2.　上記を選んだ理由を、ご自身の体験談を含めて教えてください。

ヴェネツィア・ビエンナーレは、言うまでもなく世界最古にして最大のビエンナーレで、1975年にハラルド・ゼーマン企画の「Les machines celibataires」展を見て以来、過去20数年に渡って鑑賞してきた。100年以上の歴史を誇るこの展覧会の紆余曲折は、展示システムの特異性（国別パビリオンと企画展）によって時代とともに様々な変容を被るビエンナーレの運命を如実に物語っている。因みに、1975年のドイツ・パビリオンの代表はヨーゼフ・ボイスで、展示作は「Tram Station」だった。ビエンナーレとは直接関係ないが、会場の外の教会や美術館でルネサンスのヴェネツィア派の作品に出会えるのも、ビエンナーレに付随する特典の醍醐味である。
アテネ・ビエンナーレは、まだ若いビエンナーレ（今年4回目）で、ヨーロッパ文明発祥の地ということもあり、毎回見ている（このビエンナーレの特典は、古代ギリシャの遺跡や遺品である）。今回はドクメンタと共同開催ということで、後述する状況（この場合はEUの危機）との関係で、どのような展覧会になるのか、非常に気になる。それゆえ、失敗する可能性もあるのだが、とりわけビエンナーレのような実験的要素の大きい展覧会の場合は、失敗を恐れてはならないだろう。
ドクメンタは、ヴェネツィア・ビエンナーレと並んで、現代アートの最大にして最高峰の祭典である。とくに、5年前の前回、クリストフ＝バカルギエフ企画のドクメンタの内容は完璧だった。最良のアーティストの最新の作品を、一堂に結集したのだ。私は8日間カッセルに滞在したが、パフォーマンスを入れて見逃したのが2点あった。
ミュンスターの彫刻プロジェクトは、アーネム（オランダ）の「ソンスビーク」と並び、ヨーロッパで開催される大規模な野外展である。屋内での鑑賞にはない野外展独特の開放感があり、貸し自転車（ミュンスター名物）で市内に点在する作品を見て回るのは清々しい。
今年で15回目のイスタンブール・ビエンナーレは、ほぼ毎回訪れているが、政治情勢的に困難な状況（ビエンナーレが民主主義に加担しているので、独裁化した政権に対して批判的という意味で）に置かれたビエンナーレが、どのような反応を示すか、大変興味がもたれる。
札幌国際芸術祭は、2回目を迎えて北海道という北の大地の芸術祭（1回目で、その特殊性の輪郭が描かれたように思われる）が、どのような方向を目指すのかが問われるだろう。


■ 国際展を楽しむためのコツについて
これまで行った国際展体験の中での「マイベストシーン」（作品、風景、ごはん、土地ならではの思い出など）と、そのエピソードを教えてください。

「マイベストシーン」は、文句なしに2012年のベルリン・ビエンナーレの「Occupy Biennale」のセクション（写真）である（ポーランドのポリティカルな映像アーティスト、Artur Zmijewskiがキュレーターを務めた）。それは、これまで鑑賞したビエンナーレのなかで最高の展示だった。アーティストの作品ではない。ヨーロッパのアクティヴィストの“Occupy”活動を、そのまま会場のKW Institute for Contemporary Artの展示室に持ってきたのだ。これこそ現代アートの究極の到達点ではないかと、私は思った。この空間に人々が参集した時の体験（写真）は、比類なく感動的で一生忘れられないだろう。アートの目標である人間存在の肯定つまり解放が、アートの力で一挙に果たされたといってもよい。アートが目指すのは、作品が歴史に残ることではない。事物はあくまで媒介であり、人間が十全に解放されることである。しかし、なぜこのような出来事は持続（永続とは言わないまでも）しないのだろうか？ それが、2012年ベルリン・ビエンナーレ以降のアートに突き付けられた解決すべき課題だろう。








Q.　自分の経験に基づく、国際展を楽しむためのアドバイスをお願いします。

作品を、できるだけじっくり鑑賞していただきたい。そのためには許すかぎり時間をかけて鑑賞すること。最初、作品が理解できなくても構わない。しばらく作品の前に佇んでいるだけで、次第に作品の意味（それが言語化されなくとも）が、あなたの身体に浸透してくるはず。それを経験的に確認できるのは、精神的な昂揚感である。その端緒となる作品が多ければ多いほど、展覧会は素晴らしいと言える。だから、作品の質と量は芸術祭にとって基本的ファクターなのだ。
もう一つ大切なのは、展覧会とそれが行われる場所との関係である。展覧会の内容が、現代世界（社会）との密接な関係のなかで構成される現今の国際展では、展覧会をとりまく環境（自然、社会、歴史）と作品との関係（一方的な影響ではなく相互作用する）に注目することが、展覧会を読み解く上で重要な条件のひとつになる。それゆえ、展覧会が行われる場所（都市や地域や国）の状況に目を向けること（たとえば、今年ビエンナーレが開催されるギリシャのアテネ、去年開催された中国の上海、2012年に開催された台湾の台北の社会、政治情勢）は、展覧会の背景として展覧会の深い理解に至る貴重な情報を提供してくれる。
確かに、鑑賞に費やされるこれらの時間や労力は、多忙な現代人にほとんどないかもしれない。しかし、優れた展覧会であればあるほど、展覧会の表向きの展示から見えない背景に注意を払っている。それは、月並みで粗雑なテーマの展覧会とは明らかに違う精緻な意味を与えて展覧会に厚みと広さを備えさせ、これが鑑賞者に無意識にも伝わるだろう。こうした国際展の例として、2012年にAnselm Franke（若手で現在もっとも有能なキュレーター）が企画した台北ビエンナーレ（写真1）と、2015年のクリストフ＝バカルギエフ企画のイスタンブール・ビエンナーレ（写真2）を挙げておきたい。






（以上、写真1）






（以上、写真2）


■国際展いろいろ
Q.　あなたにとって国際展とは？

現代の国際展は、単なる気晴らしのアートのお祭りではない。それは、ヴェネツィア・ビエンナーレが開始されて以来100年以上が経過し、また1990年代以降、後発のビエンナーレがアジア一帯で開催されるようになって20年後の2010年代に、ビエンナーレが成熟するにともなって、現代アートの有名アーティストの作品や最先端の表現を紹介（宣伝）することから、徐々に現代アートの本質的意義や社会的役割を問う内容に変化してきたことにも窺える。この歴史を踏まえれば、芸術祭（とくにビエンナーレ）が満たす条件とは、次のような構造と内容を具備したものになるだろう（以下、上述の重複を含む）。
近年の国際展は、現代アートで活躍する有名アーティストを取り揃えた祭典や、その最先端の紹介（1990年代にはじまるビエンナーレは、この役割を果たすことが多かった）というより、現代世界（社会）とアートが切り結ぶ接点に位置付けられるようになった。それゆえ、展覧会を企画するキュレーターの役割は、いやましに重要になる。このような展覧会に要求されるのは、現代アートをめぐる知識や思想のみならず、現代社会の幅広い理解だからである。その上で、アートと現代との接点をどこに据え、どの角度から掘り下げるかで、キュレーターの手腕が試される。しかも、この展覧会の構想に加えて、優秀なアーティストを見抜く鑑識眼が必要とされる。これが、展覧会を成否を決定するキュレーターの能力を採点するリストである。要するに、時代を包括する鋭いテーマと、テーマに相応しい優れた作品を配置する、思考と感性に富んだキュレーターがいてはじめて素晴らしい展覧会が実現されるということだ。
したがって、それに呼応する鑑賞者の事前の準備といえば、展覧会のテーマを一言で示すタイトルを知り、キュレーターが展覧会のために綴った概要を読むことである（カタログの本文は長いので、展覧会ガイドに載っているテキストでよい）。世界に芸術祭は数多くあるが、そのような観点で高く評価されるものは少ない。下に、私が推奨する国際展を挙げておこう。
ヴェネツィア・ビエンナーレ、ドクメンタ、ベルリン・ビエンナーレ、イスタンブール・ビエンナーレ、光州ビエンナーレ、台北ビエンナーレ、上海ビエンナーレ、ビエンナーレ・ジョグジャ。これらの国際展は、キュレーターが変わってもつねに良質な展覧会を呈上している。そのわけは、キュレーターを指名する展覧会の主催者の側に、アートを知悉する優秀なスタッフがいるからである。このリストで、意外にアジアによい芸術祭があることに注目してほしい。日本に目を転じれば、ようやく2016年の愛知トリエンナーレにおいて、キュレーション（企画）らしいキュレーション（それゆえ批判に値する）の国際展を鑑賞することができた。そのキュレーターの名前は、港千尋である。
先述したように、都市の場所の特殊性が展覧会と作品に与える影響（相互作用の一方のインパクト）を考慮に入れるなら、日本で芸術祭（国際展）が開催されるに相応しい都市や地域は、歴史的文化を蓄積した京都、原爆の被災地の広島、長崎、戦争の記憶がいまだに残る沖縄だろう（広島、長崎、沖縄は、韓国の光州が民主主義のメッセージを発信できるのと同じように平和のメッセージを発信できる）。だが、展覧会の相互作用のアートの側からの作用は、アーティストの名声や観客のアトラクションや地域振興の奉仕や社会福祉の補完に、アートを役立たせるためにあるのではない。アートからの働きかけは、展覧会をめぐる場所や環境に批判的にかかわっていくからである（今年開催される「奥能登国際芸術祭2017；里山と里海と生きる」は、その点で期待できるかもしれない）。今のところ、そこまで複雑に練り上げられた芸術祭が日本にないことは、非常に残念である。


Q.　国際展に行ったときに必ずすることは？

国際展は、他の一般の展覧会と比べて規模が大きいので、まず展覧会のガイドと会場のマップを手に入れ、ガイドに載った展覧会の趣旨をざっと読み、マップで作品の配置を確かめる。あとは、あまり思い込みや先入観に囚われず、目の前の作品を一つひとつ見るだけ。その際、作品脇のプレートに書かれた作品の説明に目を通すことを忘れずに。必ず作品と展覧会のテーマの理解に役立ちます。もし、その展覧会が良いものであれば、展示作品を鑑賞する間に、次第に精神的に高揚してくるのを感じるでしょう。心地よい緊張とそれが醸成する漠然とした物語に包み込まれるはずです。
海外の展覧会は、とにかく作品の量が多いので、一日では回り切れないかもしれません。時間がない場合は別ですが、余裕があればあまり欲張ることなく、疲れたら休憩を入れて閉館までゆっくり楽しんでください。そのあとの自由な時間は、明日の鑑賞に向けてエネルギーを蓄えることに使ってください。とはいえ、堅苦しく予習する必要はありません。一番は、夕食で地元の旨いものを食べに行くことです。よい展覧会を見た後の美味しい食事は、作品の記憶を新たにし、その余韻を芳醇にしてくれるでしょう。その意味で、国際展が開かれる光州、イスタンブール、テッサロニキ、サンタフェ、札幌などにある安くて旨いレストランは、あなたに絶好の地方料理を振舞ってくれると思います。



札幌国際芸術祭を歩く

8月15日
おはようございます。
現在、羽田です。
今日は、これから国際芸術祭を観に札幌に向かいます。



現在、資料館の中庭に制作中のタノタイガ+SIAFラボの作品（写真1）を前にして休憩しています。まだ資料館を見ただけなので感想でもないのですが、展覧会タイトルの「芸術祭ってなんだ？」が自己言及的でなんでもよいことになり、さらに「アートはこれを超えられるか」（写真2、3、4）と問われると、それは無理というより、それがアートではないかと切り返される羽目に陥る。つまるところ、予め批判封じの自画自賛の展覧会なのか？ だが、見始めたばかりなので、良からぬ疑問はそのくらいにして前に進もう。





（以上、写真１）






（以上、写真2）






（以上。写真3）






（以上、写真4）


8月16日
今日は早起きして、500m美術館で中崎透の北海道のスキーの歴史を辿る展示（写真1）を観賞した後、今芸術祭の中心的会場のモエレ沼公園（写真2）に来ました。東京では考えられないような爽やかな風が吹き渡っています。でも、やはり暑いか。







（以上、写真1）





（以上、写真2）

札幌芸術祭の主要会場のモエレ沼公園に来て判明したことがある。



「芸術祭ってなんだ？」の答えの「ガラクタの星座」は、やはりキュレーター自身の作品（写真）だった。






[] VPS

[] VPS


そして、私をここまで登らせたのは、誰だろう？（写真）






モエレ沼公園を後にして、次に向かうは、JR札幌の駅ビル11階で開催されている「札幌デザイン開拓使」展（写真）。その展示は、残念ながら開拓の歴史の表層をなぞって、日本で行われる多くの展覧会のおざなりさが窺えるが、それでも道産子のデザインの実例に触れることができ、新鮮だった。







次に訪ねたのは、北海道大学（写真1、学内が広々としていいなぁ！）の総合博物館で行われている「火ノ刺繍-「石狩シーツ」の先へ」（写真2）。北海道を漂流する詩人、吉増剛造のユニークなパフォーマンスの映像と作品の展覧会である。

（写真１）







[] VPS

（以上、写真2）
これらを観賞して、今芸術祭が既存のアートの境界を打ち破ることに狙いを定めているのは間違いないと感じた。しかし、これらの境界（アートとデザイン、詩）はすでにない。アートは、なんでもアートにする魔力を持っているからだ。確かに、日本ではまだ偏見に囚われていて、今芸術祭の役割があるとすれば、大衆の啓蒙だろう。


8月17日
国際芸術祭の会場の一つ、札幌市立大学のロビーでの独り言。
北海道はローカルだ。しかし、中央のない地方という意味で。中央（中心）は、必死に見かけを取り繕ってはいるが、すでに瓦解している。それは、グローバルでも同じことだ。グローバルは終焉の危機で消滅の間際にある。これからはグローバルのないローカルが活動の中核を担うだろう。
徹底してローカルあるいはマイノリティであれ！！！

札幌市立大学の隣にある札幌芸術の森にて。
今芸術祭の目玉と思われるクリスチャン・マークレーの作品（写真）について。
マークレーは、形式的には小文字のアートだが、普遍的なものを求めている。ストロー、綿棒、栓、煙草がいかに軽く小さいのであれ、物質性を信じているのだ。その反対の物質文明批判においても、同様の結論。大きな物語がないと作品として成立しないと思っているのだろう。これが、マークレーの作品にある辛気臭さを纏わせている。だが彼の作品は、大友より緊張感がある。
ここまで観てきた感想だが、芸術祭は日本人アーティストが多いことで、大友に限らず日本人独特の表現の緩さ（ゆったりにも弛緩にもなる）や、情緒的な傾向が目立つ展覧会になっている。








今国際芸術祭で面白かった関連企画は、ゲストハウス（写真）に現代アートの作品（写真）が飾られていることだった。ゲストハウスという世界の若き旅人が集う親密な空間で、作品が映えて見えました。






















ゲストハウスの番外編。上掲とは別のゲストハウスに展示される予定だった東方悠平作品です。


この日最後に訪れたのは、芸術祭参加作品でもっとも面白かった、金市館ビルの梅田哲也の展示（写真）でした。その緊張感ある瑞々しいインスタレーションのインパクトは絶大。

















[] VPS

[] VPS

[] VPS



8月18日
札幌最終日の朝、ホテルの一室で思うこと。
札幌のアーティストのみなさん。現在、ドイツのカッセルで開催中のドクメンタは、「ヨーロッパは中心ではない」宣言を出しています。早晩、中心なくグローバルなくマジョリティのない世界が訪れるでしょう。そのとき表現の根拠となるのは、真似たり反発したりする中心ではなく、自分たちが生きる周縁でありローカルでありマイノリティです。しかし、それらは今のままで良い訳はない。それらを掘り下げなければならない。そのなかから抵抗の鉱脈を発見するのです。ちょうどゴヤが、人間の意識を掘り下げることで意識下（無意識）を発見したように。この抵抗は、とても複雑で繊細な作業です。新たに理念を創造するより、ずっとそうなのです。

最終日のラストスパートで印象に残った作品から。
芸術祭の札幌宮の森美術館に展示されたアヨロラボラトリーの国光希根太の彫刻（写真）。





札幌国際芸術祭に参加している、大漁居酒屋てっちゃん（写真）、ただいま探検中！












ほぼすべてを観終わって、北の大地の夕刻の風景（写真）は、すでに秋の気配なのか？





空港行きの列車に乗る札幌駅では、芸術祭が小（？）風呂敷プロジェクト（写真）で見送ってくれました。ありがとう。




サヨナラ、国際芸術祭。
サヨナラ、札幌。

［札幌国際芸術祭への短い感想］
ここまで色々言いましたが、まだまだ良くなる可能性のある国際展です。北海道民には、本州人にはない誠実さがあるので、なおさらその感を強くします。
梅雨がなく湿度が低い。その気候的な違い一つで、本州とは異なる文化圏が形成されます。再び東京に降りたったとき、北海道は隣接する大陸に、本州は東南アジアに結びつくと思いました。
北海道の文化をより豊かにするために、アートがお手伝いできることが沢山あるのではないか。その参考になるのが、カッセルのドクメンタです。そこから学べることは多いはず。そして、経済ではなく文化が人々の暮らしのレベルを高めることを、札幌国際芸術祭で証明してほしいのです。
最後に苦言を呈するとすれば、芸術祭に「これを超えられるか」と不敵にも問いかけられたアートに良いものが少ない。したがって、良いアートはすでにつねにキッチュ（写真）を凌駕すると答えておきましょう。

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2017.09.13 | コメント(0) | 国際展について

［連載］ Contemporary Art Scene in the World（9）――今、Shanghaiで何が起こっているのか？

ブログマガジンの連載「世界の現代アートシーン」の上海編です。近頃、隆盛を極めている中国のアートシーンですが、香港はアートマーケットが過熱し、今後どうなるか少々不安が残ります。対して上海は、香港に対抗すべく始動したところでしょうか。
しかし、その力の入れようは尋常ではない。しかもマーケットのみならず、私立の美術館やアートセンターの活躍が目立ちます。今回紹介するものに加えて、上海の美術館やアートセンターの活動から目を離せません。そして、そこから多くの優れた中国人アーティストが羽ばたくことは間違いないでしょう。
なお、次回のブログマガジンは、上海のアートの世界を駆動するもう一つのエンジン、上海ビエンナーレの詳細レポートです。

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2016.11.22 | アートシーン

【アートの軌跡】 Gwangju Biennale 2016―ビエンナーレ・ホール全作品の記録（後）

ブロマガ9月号は、韓国の光州ビエンナーレに行った人の確認と行く人の予備知識と行けない人のために、とりあえずビエンナーレのメイン会場のビエンナーレ・ホールの作品展示を、前半と後半に分けて全部見せます。それ以外の展示を含むビエンナーレの展評は、そのあとに掲載します。

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2016.09.17 | アートの軌跡

【アートの軌跡】 Gwangju Biennale 2016―ビエンナーレ・ホール全作品の記録（前）

ブロマガ9月号は、韓国の光州ビエンナーレに行った人の確認と行く人の予備知識と行けない人のために、とりあえずビエンナーレのメイン会場のビエンナーレ・ホールの作品展示を、前半と後半に分けて全部見せます。それ以外の展示を含むビエンナーレの展評は、そのあとに掲載します。

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2016.09.14 | アートの軌跡